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D’Eux
May 21st – May 23rd 2008 Pantin. Centre national de la danse Sophie Grappin-Schmitt for parisart. Com.
After Gravity, Fabrice Lambert goes further into the exploration of the effect of body weight on our perception of space and time. Truly diving into the texture of choreography, About them plays with the perceptual limits of the spectator in order to give birth to new meeting places. With agility and precision, Fabrice Lambert develops a writing mode that balances between accelerations and moments of pure restraint: a body, slowly unwinding on the ground, plays with its weight, at times rising, at others falling; suddenly, an arm can come out, a fugitive shape, or a fluid race on all fours across the stage. The choreographer’s new show, About them, is based on this chorographical material, that gives a tough ride to our perception of time. Subtitled “Together, part”, it aims at “provoking a rupture with time’s linearity”, so that two bodies may meet and follow one another on stage. Fabrice Lambert and Hanna Hedman perform the same solo, according to the same score, but following two contrary arrangements. The performance opens with the appearance of one of them in the dark, naked. By his presence, he builds a mysterious and almost disturbing space with no limits. The eye has a hard time following his movements. One can only really see a torso, oftentimes turning its back to the audience. One concentrates on that portion, holding one’s breathe. The audience can relax only when the second solo starts. The journey through darkness and silence is brutally ended with the ground bursting with white. Having been accustomed to silence, we are surprised by the music as Hanna Hedman starts her solo. She’s not naked but almost hidden under a white jacket. The two visions of the same trajectory overlap each other, and echo the environment. The extremities are the only parts that are maintained in the feminine version. The solo becomes more angular and moves away from this impression of smoothness kept in our memory. It evolves both on stage and in our memory at the same time. While silence seemed to expand movements, the saturation of electric sounds, voices, guitars, and amplified electric drums (parts taken from Led Zeppelin, Deep Purple, Jimmy Hendrix, etc.), isolates even more a body already rapped in its costume. In the process, the body is sent back to its fragility, its finesse. As oftentimes in Fabrice Lambert’s work, the environment reveals and makes obvious everything the choreography silently builds in terms of games on gravity, resistance, links and space. The show ends on the unexpected appearance of Frédéric Laügt. He, who created the sound track, breaks the symmetry or rather injects other temporalities into the show. Alone on stage, with a chair and an accordion, he starts playing a ritornello : a theme cherished by Deleuze and Guattari, and whose features are reinforced by that of the instrument’s timbre. Many clichés are associated with this reassuring instrument (France, romantic of course, love stories not always ending happily …), capable of coloring the exchange on stage, and whose immaterial nature is as evasive as it is fleeting.
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D’Eux de Fabrice Lambert – « Danser » Juillet Aout 2008 par Philippe Verrièle
Comme souvent chez ce jeune chorégraphe, un concept simple et lisible. Deux parties dialectiquement affrontées : d’abord homme nu sur fond noir, très faible lumière et son discret, gestuelle dressée toute de déplacements précautionneux ; ensuite – suppose-t-on – femme enfouie sous le capuchon, fond blanc, lumière crue et son hurlant, gestuelle surtout au sol tentée par la convulsion. Tout se résout quand un accordéoniste vient expirer sa ritournelle, assis sur une banale chaise. On relit (et relie) l’un à l’autre et c’est dans la confrontation que se ferait la pièce si, justement, la chose n’était un peu plus futée. Car tout est bancal dans la seconde partie. Les laizes blanches du sol cachent mal le noir, le survêtement cache trop le corps, la montée du volume sonore ne débouche sur rien et la danse ne sait à quoi s’en tenir. Tout, mais discrètement, induit le doute sur cette frontalité de la confrontation qui n’aboutit que sur la vacuité d’une nostalgie désolée. Pièce piégeuse, un rien dogmatique et intelligente.
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Par Gerard Mayen pour mouvement.net
(...) Première moitié de cette pièce titrée Deux : Fabrice Lambert lui-même développe un solo d’appuis rigoureusement précis, par pauses lentes, près du sol. Cela se déroule en silence, et dans une pénombre proche de l’obscurité. Achétype du beau danseur, l’interprète et chorégraphe est intégralement nu. Sur ce point, on craignait le pire côté public : une salle composée aux trois quarts d’adolescents du 9-3 (imaginez : ces arriérés !). A peine un bronchement, deux ricanements, puis rien ; ce qui ne veut pas rien dire, question politique des publics. Deuxième séquence de la pièce : la même danse, mais par un personnage engoncé dans une énorme tunique difforme, sous un éclairage plein feu aveuglant, et bombardement de décibels assourdissants. Aux saluts, ce personnage se révèle être une interprète – dont l’éventuelle singularité « féminine » aura été dissimulée par l’énorme vêtement. Soit une opposition à fronts renversés entre les deux parties de la pièce. (...)
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